Joan Miró: “Le Chien Aboyant à la Lune”, 1952.

"Le Chien Aboyant a la Lune". Joan Miró

Litografía en colores sobre papel vitela.
Francia, 1952
Joan Miró (1893-1983) – artista español
Firmado en la piedra en la parte inferior derecha “Miró”
En la parte posterior verso con la impresión tipográfica ‘Le Chien aboyant à la lune diana Le Coq Le Chant […]’ , otra litografía y un texto escrito con el lápiz litográfico, publicado en la edición doble Verve no. 27/28
Catálogo razonado: Mourlot 121
Tamaño: 35,5 x 53,1 cm
Buen estado de conservación.

Precio: US$ 2.000.

( Enviamos a cualquier país. Precio no incluye costos de envío)
Para más información escribir a: csangiovanni@gamil.com ó llamar a los teléfonos:

+1 (809) 851-7978   y  +1 (809) 794-6213

Esta litografía del artista español Joan Miró fue creada en 1952. Se muestra un perro ladrando y un gallo que cantan a la Luna, representados con elementos característicos del artista: anchas líneas negras enmarcan las formas abstractas y áreas con los colores básicos rojo, verde, amarillo y azul. La magnifica obra obra está firmada en la piedra“Miró”. En el reverso se muestra la impresión tipográfica “Le Chien aboyant à la lune diana Le Coq Le Chant […]”, otra litografía y realizado con el lápiz litográfico;

Joan Miró (1893-1983)

Miró nació en Barcelona en la que creció y comenzó sus estudios artísticos. Se fue a la academia La Llotja contra la voluntad de sus padres, que lo había querido ver trabajar de una manera más tradicional. Más tarde estudió en la Escola d’Art de Francesc Galí  y llegó a conocer los fauvistas y cubistas. En 1920 se trasladó a París, donde vivió entre los artistas más creativos de su tiempo. Llegó a conocer Arp, Magritte, Brancusi y Giacometti y exhibió junto con Dalí, Tanguy, Meret, Oppenheim y Max Ernst en varias exposiciones sobre el dadaísmo y el surrealismo. Se trasladó a Mallorca en 1956 donde se centró en crear esculturas y cerámicas.

 

Lithograph in colors on wove paper
France, 1952
Joan Miró (1893-1983) – Spanish artist
Signed on the stone on the lower right ‘Miró‘
Verso with typographic print ‘Le chien aboyant à la lune reveille le coq le chant […]‘, another lithograph and a notice with pencil
Published in the Verve double issue no. 27/28
Catalog raisonné: Mourlot 121
Sheet size: 35.5 x 53.1 cm
Good condition

PRICE: US$ 2.000, 

Information: csangiovanni@gamil.com  or

Phones +1 (809) 851-7978 and  +1 (809) 794-6213

Fernand Leger: “La Partie de Campagne”

La Partie de Campagne. Fernand Léger

“La Partie de Campagne”. Autor: Fernand Leger . Formato: 14 pulgadas de alto x 21 pulgadas de ancho. Medio litografía original, impresa por Mourlot en 1955.

Precio: US$ 800. (Envío a cualquier parte del mundo, precio no incluye costos de envío)

Contacto: csangiovanni@gmail.com  teléfono: +1(809) 851-7978

Fernand Léger, litografía de color, “La partida de campo”, 1952
litografía sobre papel vitela. Seguir leyendo “Fernand Leger: “La Partie de Campagne””

Daphné y Apollon Litografía de Henri Laurens (1885-1954)

Daphné. Henri Laurens Apollon. Henri Laurens

Henri Laurens (1885-1954)Daphné y Apollon

Litografía en colores sobre papel vitela
Francia, 1952
Henri Laurens (1885-1954) – escultor francés y dibujante
MONOGRAMA en la piedra, lado inferior derecho ‘HL.
Desde ‘Verve’, volumen 7, número 27/28
Publicado por Tériade, París
Impreso en Mourlot
Dimensiones: 14” x 10.5”

Precio: US$300.  

Para información llamar al +1-(809) 851-7978 ó escriba a csangiovanni@gmail.com

La revista ‘Verve’, publicada en París en los años 1937-60 fue publicada con el fin de crear una conexión entre la obra gráfica de grandes artistas y obras literarias. Esta litografía en colores es del número doble 27/28 de esta revista, que se publicó en 1952. En el típico estilo del artista francés Henri Laurens muestra la ninfa Daphné en el momento de su transformación en un laurel. El artista se ocupó , sobre todo en su obra posterior, con temas de la mitología antigua. En el reverso hay una segunda litografía titulada Apollon.

La litografía tiene el monograma “HL.”, en la parte inferior derecha.

Henri Laurens (1885-1954)

El artista francés Henri Laurens nació en París. En 1905 completó un aprendizaje de albañil y trabajó como albañil edificio. En su tiempo libre el crea esculturas que fueron estilísticamente influenciados por Auguste Rodin. En 1911 conoció a Georges Braque quien le dio una comprensión del cubismo. En 1913, Henri Laurens expuso por primera vez en el Salón de los Independientes de París. A partir de 1927 Laurens comenzó a modelar sus esculturas, en su mayoría desnudos femeninos, con orgánicas formas en lugar de las características geométricas del cubismo. La obra de  Henri Laurens, puede ver en muchos museos internacionales, como la Galería Nacional, Berlín, el Stedelijk Museum de Amsterdam, Museo Nacional de Arte Moderno de París y el Museo de Arte Moderno, Nueva York. (FEA)

Lithograph in colors on wove paper
France, 1952
Henri Laurens (1885-1954) – French sculptor and draftsman
Monogramed on the stone lower right ‘HL.’
From ‘Verve’, volume 7, number 27/28
Published by Tériade, Paris
Printed at Mourlot
A further lithograph on verso
Framed
Image dimensions: 24.4 x 10.6 cm

Price : US$ 300,    

 +1-(809) 851-7978   e-mail: csangiovanni@gmail.com

The magazine ‘Verve’, released in Paris in the years 1937-60 was published in order to create a connection between graphic works by major artists and literary works. This lithograph in colors is from the double issue 27/28 of this magazine, which was issued in 1952. In his typical style the French artist Henri Laurens shows the nymph Daphne in the moment of her transformation into a laurel tree. The artist dealt especially in his later work, often with themes from ancient mythology. On the reverse there is a second lithograph.

Litografía “LA TRISTESSE DU ROI” de Henri Matisse

 

La Tristesse Du Roi.Henri Matisse
HENRI MATISSE (1869-1954) – “LA TRISTESSE DU ROI”

“La Tristeza del Rey” 

 Técnica : Litografía en múltiples colores, creada por el artista en el 1952 para la revista Verve.

Esta obra realizada con piedras litográficas intervenidas por Matisse, es una edición de 6,000 ejemplares, no numerados, y firmados en la piedra matriz trabajada en la litografía de Mourlot, Paris. La parte posterior de la litografía tiene dos pequeñas ilustraciones de Matisse.

Dimensiones: 53,3 x 35,5 cm / 21” x 14 “; área de la obra 17.7” x 13.2 ”. Con los típicos minúsculos orificios de los hilos de sujeción de la publicación del 1952.

Precio: US$ 700,. Disponible.  Contáctenos en: csangiovanni@gmail.com ó al            teléfono +1 (809) 851-7978. ( Enviamos a cualquier país.  Precio de envío no incluido)

 Edición: Verve Revue. Vol. VII, Números 27 y 28 del 1952.

 “La Tristesse du Roi “ (Sorrow of the King) Seguir leyendo “Litografía “LA TRISTESSE DU ROI” de Henri Matisse”

LITOGRAFIA DE GEORGES BRAQUE (Revue Verve No.27 y 28. 1952)

 Frontispice. Georges Braque   Litografía posterior Braque

Georges BraqueFrontispicio y Naturaleza muerta. Primera edición litográfica para Verve Vol. VII, Números 27 y 28, litografía impresa por Mourlot.

 Precio: Disponible.  Contáctenos en csangiovanni@gmail.com  ó  llamar al +1 (809) 851-7978
Técnica: Litografía.     Año: 1952
Dimensiones:   14” x 10 3/8 “
Sin Firma.

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George Grosz: “Mi obra debe ser fusil y sable”

Por Carlos Sangiovanni

En días aciagos como los actuales, cuando las trompetas de guerra resuenan en todo el planeta sopladas por los jinetes armamentistas (a quienes solo les importa el poder y la riqueza material), viene a mi recordación la obra de George Grosz, artista alemán que odió visceralmente toda la parafernalia militar, a los políticos y jueces corruptos, al empresariado envilecido, explotador y usurero quienes, como garrapatas, se alimentaban de un proletariado que despertaba de los días oscuros de la Primera Guerra Mundial. Seguir leyendo “George Grosz: “Mi obra debe ser fusil y sable””

Carlos Sangiovanni: Arte Correo, dos muestras históricas en Santo Domingo.

 

Cartel Por la Paz(1984). Diseño-C.Sangiovanni
1982. Cartel para promocionar la muestra. Autor: Carlos Sangiovanni

En las décadas de los sesenta y setenta, irrumpió en el panorama de las artes visuales internacional, una manifestación vanguardista fuera de los circuitos tradicionales de galerías, museos, coleccionistas e instituciones operadoras del arte habitual. Este arte disyuntivo, se valió del sistema de Correo Postal como vehículo de comunicación para sus planteamientos e ideas estéticas, que se nutrieron –en cierta medida– de los postulados dadaístas: “…contra la cultura oficial y los valores establecidos, al inmovilismo intelectual, la eternidad del arte, al conformismo burgués, a las limitaciones de la expresividad, al mercantilismo de galerías, marchantes de arte y coleccionistas, contra la sacralización y mitificación del arte practicado por museos y a la utilización del arte como droga” . Seguir leyendo “Carlos Sangiovanni: Arte Correo, dos muestras históricas en Santo Domingo.”

Arte Povera, reciclado y artesanía.

Por Carlos Sangiovanni

La satisfacción de necesidad conduce a los humanos, persistentemente, a una vorágine de creación de objetos para el consumo. Los diversos conglomerados sociales han sido despiadados con la naturaleza y el frágil ecosistema de nuestro planeta, con el uso indiscriminado de muchos de sus recursos, para la creación de estos objetos destinados a satisfacer nuestras necesidades, fugaces o no. Millones de toneladas de basuras y desperdicios son recolectados día por día, depositados en vertederos a la intemperie, resultado del descarte de muchos de estos objetos que en su momento fueron útiles para suplir nuestras necesidades.

La reflexión sobre este modelo consumista de la sociedad impulsó –en cierta medida– a un grupo de artistas italianos, en el 1967, a utilizar materiales y objetos considerados pobres, de desechos y sin valor aparente, para la realización de sus planteamientos estéticos.   Arte Povera (Arte Pobre), fue el término acuñado por el crítico y curador de arte, Germano Celant, para referirse al grupo en sus primeras exposiciones. Este movimiento trilló el camino trazado con mucha anterioridad por Marcel Duchamp, Arp y Schiwitters, quienes recogieron objetos comunes, descartados y de la vida diaria,  para la elaboración de sus obras artísticas.

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Marisa Merz Senza

El Arte Povera, como tendencia estética, surgió en abierto rechazo a las vanguardias norteamericanas de los 50 y 60, no tanto por su potencialidad creadora como por una especie de enajenación en el uso dispendioso de los materiales artísticos. Seguir leyendo “Arte Povera, reciclado y artesanía.”

Prints From 1950 To 1980 (Printmaking, Twentieth Century, Cuba, Puerto Rico, Dominican Republic).

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Made in… América Latina. Collage and silkscreen 1976. Carlos Sangiovanni

COLLAZO-MATOS, Aristides. 1997. Ethno-Aesthetic Description And Political Interpretation Of Selected Spanish Caribbean Prints From 1950 To 1980 (Printmaking, Twentieth Century, Cuba, Puerto Rico, Dominican Republic). Degree: Ph.D. Institution: New York University 0146. Pages: 00317. Descriptor: Art History, History, Latin American Access # AAG9811714. Source: DAI, 58, no. 10A, (1997): 3756. (ABSTRACT: This research presents an examination and analysis of selected Spanish Caribbean printmaking art works for their aesthetic qualities and political contents. The purpose was to identify characteristics that may document a regional aesthetic affinity.—The method employed consists of techniques derived from ethnography, phenomenology and hermeneutics. Published material, interviews with art experts and artists provided information from inside the culture. Interviews with artists followed a dialectical hermeneutical approach guided by some principles from H. G. Gadamer’s hermeneutics theory.— An aesthetic analysis of 37 prints from Cuba, 34 from Puerto Rico and 13 from Dominican Republic was conducted following elements of the phenomenological method proposed by E. F. Kaelin. Each print is described first, followed by interpretation of possible meanings. Each analysis ends with a question the artist may be positing on his work.— The prints were found to fall into three categories, Realist Figurative, Non-Realist Figurative and Non-Figurative. The predominant category was Non-Realist Figurative.—Preferences for specific artistic mediums seem to be dominant in each decade. Relief prints in both woodcut and linoleum techniques are preferred during the fifties. Silkscreen is preferred in Puerto Rico and lithography in Cuba during the sixties. Intaglio is the preferred medium during the seventies and after. Collography and mixed media are more typical of the late eighties. The dominant medium in the three decades as a whole seems to be relief techniques.—– A cross-cultural analysis and comparison of invariants suggest that printmaking played an important role in the Spanish Caribbean from the sixties to the eighties and they function both as sociopolitical statements as well as aesthetic expressions. Even when artists are in different nations they express similar concerns, as observed in the prints by artists Carmelo Gonzalez, Lorenzo Homar, Alfredo Sosabravo, Antonio Martorell and Carlos Sangiovanni, among others.—Other significant fingings follow: It seems there exist an “art world” that considers thematic content meanings as part of the aesthetic content of an art work. During recent years, dominance of perceptual content is also observed, which occurs as artists are exposed to international artists trends.
A BIBLIOGRAPHY OF THESES AND DISSERTATIONS RELATED TO THE DOMINICAN REPUBLIC
UNIVERSITY OF MASSACHUSETTS-BOSTON

Matisse: Engendrar la vida en las entrañas del color

Por Carlos Sangiovanni
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Matisse: “Traga espada”

En una de mis visitas a México, y de manera específica al Museo Rufino Tamayo del D.F., tuve la magnífica oportunidad de poder deleitarme contemplando el conjunto de obras reunidas en el portafolio, o libro de artista, llamado “Jazz”, del inmenso Henry Matisse (1869-1954, Francia); el astro más brillante del “fauvismo”, el que permaneció durante toda su vida leal a los principios que le dieron inicio.

Es legendaria la noche de 1905, en la que un crítico de arte llegó al “Salón de Otoño”, que se efectuaba en París, y en uno de los salones donde se colgaban las obras de un grupo de innovadores artistas “profirió, con aviesa sorna, al ver un pequeño y clásico busto que aparecía entre las insólitas composiciones, y cromáticamente escandalosos cuadros : –“Donatello entre las fieras”. Desde ese momento se les bautizó como “fauves” (fieras o salvajes), a este particular grupo de expositores, que proclamaban la hegemonía del color como principio cardinal de la composición en el espacio creativo. El color, como materia prima no solo para la transformación formal de la obra artística, sino para el logro de la explosión cromática que se desparramaba por el lienzo, en donde la alteración de patrones representacionales comunes hasta ese momento, eran suplantados por disposiciones de colores llamativos, complementarios; en donde el cielo podía ser violáceo intenso, las paredes verdes y contrastantes, con una roja desnudez femenina. Seguir leyendo “Matisse: Engendrar la vida en las entrañas del color”